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Par ses paysages lumineux et ses aquarelles délicates, Carl Johan Forsberg capture la sérénité du Grand Nord tout en révélant son chaos glacé. L’exposition réunit également des dessins scandinaves et hollandais, mêlant symbolisme et scènes domestiques.

Cap au nord, à Oslo, où l’Astrup Fearnley Museum s’impose comme l’une des escales les plus stimulantes du moment pour les amateurs d’art contemporain. Dans son écrin signé Renzo Piano, ouvert sur le fjord depuis 30 ans, l’exposition Grammars of Light transforme la lumière en véritable expérience sensorielle. Une raison idéale de s’envoler vers la capitale norvégienne, dont la scène artistique, discrète mais audacieuse, attire désormais les regards des voyageurs esthètes.

Figure majeure de la céramique coréenne contemporaine, Shin Sang-ho explore depuis les années 1960 les métamorphoses de l’argile, dépassant la tradition pour inventer une sculpture audacieuse, entre héritage artisanal et modernité expérimentale.

Le panorama muséal de Claire Tabouret dévoile ses toiles et sculptures, où couleurs intenses et figures fluides explorent identité, enfance et dynamiques de groupe, tout en brouillant les frontières entre peinture et volume.

Eyes and Fields met en dialogue les œuvres de Kazimiera Zimblytė-Kazė et Rose Lowder, explorant l’abstraction comme expérience perceptive et fusion subtile entre peinture et cinéma.

La seconde exposition in situ du musée invite Mark Leckey à fusionner architecture, images et sons, créant un univers où mémoire, culture populaire et expériences immersives se rencontrent dans un récit à la fois poétique et étrange.

L’exposition de la photographe brésilienne Helena Ramos explore micro-communautés et relations humaines, mêlant couleurs vives et noir et blanc pour révéler un art de la proximité, de l’écoute et de la vulnérabilité.

Museum wiesbaden rend hommage à louise nevelson à travers une rétrospective majeure, présentant ses assemblages monumentaux et collages intimes, où chaque fragment, accumulé et recomposé, traduit l’énergie vitale et intuitive de l’artiste.

Magdalena Abakanowicz, la force des corps fragmentés. Figure majeure du XXe siècle, l’artiste polonaise a créé une œuvre monumentale et immersive, née dans un contexte d’oppression. Entre textiles suspendus, foules acéphales et formes organiques, son travail explore la fragilité, la violence et la condition humaine avec une puissance allégorique saisissante.

Jean-Baptiste Sécheret, variations sur la lumière Dans le sillage des peintres de ciels changeants, Sécheret fait dialoguer ses paysages de Normandie avec ceux de Monet. Nuances subtiles et lumières crépusculaires composent un hommage mélancolique à la peinture sérielle.

Cristina Garrido au MACS, The White Cube is Never Empty explore la mémoire du musée et la survie des œuvres dans le regard du public. Avec une installation in situ, l’artiste fait surgir les “fantômes” d’œuvres disparues et interroge le temps et le rôle du musée.

Peindre pour survivre, peindre pour dire l’indicible. L’œuvre bouleversante de Monique Gies révèle, derrière des intérieurs silencieux et des figures mutilées, la trace d’un traumatisme longtemps enfoui. Une création tardive et fulgurante, découverte après sa mort comme un aveu en images.