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“Peu étudié, peu publié, encore plus rarement exposé, le dessin joaillier reste méconnu du grand public.” Attesté depuis la Renaissance, il constitue pourtant l’étape primordiale de la création d’un bijou. Après trois ans de recherche, L’École des Arts joailliers lui consacre une exposition réunissant des œuvres allant de 1760 à la Première Guerre mondiale, et notamment les merveilleux croquis de Lalique provenant du fonds Van Cleef & Arpels. Signés Arp, Cocteau, Derain, Ernst, Matta, Picasso et Tanning, ce sont les Bijoux d’artistes, chefs-d’œuvre des Ateliers Hugo, qui sont, quant à eux, à l’honneur à la Galerie Pierre-Alain Challier.

Grande figure de l’art informel européen, Alberto Burri (1915-1995) est connu pour ses recherches constantes sur les procédés et les matériaux non conventionnels. C’est aux expérimentations graphiques que s’intéressent ici Alexandre et Richard Fleury. Dessins, eaux-fortes et aquatintes, sérigraphies… réalisés en partie avec la collaboration de maîtres-graveurs et chalcographes émérites, révèlent la primauté de la recherche des effets de matière et de transformation mêlant hasard et maîtrise, tels les Combustioni (Combustions) ou les terres craquelées (Cretti) réalisés à la suite du tremblement de terre ayant secoué la Sicile en 1968.

Artiste française basée à Bruxelles, Carlotta Bailly-Borg élabore un langage singulier aux accents surréalistes et développe une œuvre plastique où se télescopent des éléments empruntés à la mythologie, à la culture pop, au classicisme ou aux représentations érotiques japonaises. Cette première exposition solo, imaginée en deux actes (à Bruxelles et à Bâle), réunira des œuvres inédites de l’artiste, ainsi que des pièces iconiques, emblématiques.

Artiste plasticien queer basé à Bruxelles, Ugo Woatzi représente des espaces à la fois réels et imaginés, entre liberté et restrictions. Son processus de collaboration illustre les désirs et les luttes de sa communauté. Ensemble, “iels” créent un monde plus sensible et ouvert, s’échappant et se confrontant aux réalités des structures hétéronormatives qui divisent. Ses images, à la fois tendres et provocantes, traduisent un sentiment d’amour et de conflit, une nostalgie universelle.

Élève du sculpteur Charles Auffret, David Daoud (Liban, 1970) puise son inspiration dans la nature et l’art pariétal. Ses thèmes de prédilection se rapportent au temps qui passe : l’exil, le voyage, l’éloignement, la nostalgie, l’absence et l’éternité. “La mélancolie, David Daoud dit la rechercher, la vouloir, tant elle nourrit son âme de sensations : ‘cet état d’être, cette tristesse qui cherche à être lumineuse’ est au cœur de sa création. Son geste final est en même temps caresse et regret d’une caresse.” (Carla Yared)

Comment devient-on l’un des artistes les plus célèbres au monde ? Comment créer un style qui survit au temps et aux imitations ? Cette exposition réunit des œuvres signées Andy Warhol, ainsi que des pièces réalisées par des personnalités qui ont inspiré sa production. On retrouve ses grands classiques : de Marilyn à Mick, en passant par les soupes Campbell’s. L’ensemble présenté met en évidence l’imagerie aux couleurs vives de la culture Pop. Des photos manipulées et améliorées devenues de véritable icônes.

La galerie s’associe à Swenden Studio pour créer une expérience sensorielle unique, à travers la rencontre de l’art et du goût ! Ils associent leurs domaines d’expertise, les arts plastiques pour l’un et la gastronomie pour l’autre, autour d’un concept inédit réunissant six artistes et six grands chefs étoilés. Cette proposition inédite sera déclinée en deux volets, dans les galeries de Paris et de Bruxelles et dans les six restaurants. Coup de cœur pour le duo formé par Rachel Labastie et Christophe Hardiquest. Deux volcans, à leur manière…

L’exposition met en lumière le travail de douze artistes féminines, belges et italiennes, nourries par un processus créatif qui tend à relier cheminement artistique et expérience personnelle. Bien que l’on y trouve parfois des œuvres féministes, ce n’est pas de la manière traditionnelle, stéréotypée, combative ou revendicatrice, mais plutôt de manière plus sensible. Ainsi, les narrations, parfois provocantes, sont mises en scène sans renier leur fragilité et leur énergie, se révélant dans des œuvres très diversifiées qui mêlent le fini et l’inachevé, l’imaginé et le vécu.

Durant l’été 2017, Mira Sanders et Cédric Noël partent à la découverte du Japon pendant un mois. Les traditions du manga et de l’animé, l’œuvre de l’architecte japonais Shin Takamatsu, ainsi que les catastrophes d’Hiroshima et de Fukushima ont notamment incité les deux artistes à créer un ensemble d’œuvres, actuellement au nombre de huit, portant le nom de chapitres, à l’image d’une histoire. Cet ensemble propose une fiction profondément ancrée dans la réalité, dont les attaques des 6 et 9 août 1945 constituent un point de départ.

Nadia Naveau (Bruges, 1975) présente pour la première fois une rétrospective de sculptures des quinze dernières années. Son œuvre est un puzzle pictural de souvenirs personnels et collectifs. Dans ses collages, elle mélange des références à l’Antiquité classique, au baroque et au modernisme avec des éléments de la culture populaire, comme les dessins animés. Il en résulte des sculptures éclectiques et équilibrées qui jouent un jeu séduisant avec la forme, l’échelle, la couleur et divers matériaux tels que le bronze, le plâtre, la céramique, le polyester et le caoutchouc. La tactilité joue un rôle important.

Cette grande exposition réunit les meilleurs créateurs – quelque cinquante artistes issus de seize pays européens – dans le domaine des arts appliqués contemporains. Une centaine d’œuvres uniques seront exposées. À l’honneur, les métiers d’arts de la céramique, du verre, de l’orfèvrerie, du bois, du textile, du papier, du bijou contemporain… Autant de créations faisant appel à la maîtrise du geste et qui insistent sur le caractère contemporain de ces créations. Seule constante : tous les créateurs s’affranchissent des codes traditionnels pour questionner le monde.

150 affiches retracent l’aventure ferroviaire en Belgique de 1900 à nos jours. Alechinsky, Cassandre, Julian Key, André Pasture, Armand Massonet, Antonio Segui… Qu’ils soient peintres ou graphistes, de nombreux artistes renommés se sont frottés aux questionnements socio-économiques, culturels, environnementaux en créant des affiches publicitaires pour les chemins de fer. Ces affiches, complétées d’objets historiques, sont le reflet du design graphique et de la vie quotidienne en Belgique à partir du début du XXe siècle.